Exposició de Yani Pecanins a Machado Arte Espacio

Foto: Gabriel González.

 "El territori emocional que Yani Pecanins va construint a poc a poc amb cada una de les seves obres, conjuga l'exercici de diversos oficis singulars. El d'exploradora, capaç de descobrir objectes aparentment disímbols i trobar la seva raó de ser, el de visionària que imagina cap on la poden portar els seus descobriments, el de brodadora que amb molta paciència entreteixeix un discurs personal a cada una de les seves peces per a qui les observi intenti resoldre l'enigma.

 
Els petits objectes, els fragments de fotografies, els seus pensaments i reflexions, articulen un discurs que al final sempre parla de la intimitat i l'ésser."

Armando Saenz Carrillo

Com sempre exquisidament femenina i subtil l'obra de Yani Pecanins fins febrer a:

Galería Machado Arte Espacio 

 C. Oklahoma 127. 

Col Nápoles, Ciutat de Mèxic, Mèxic

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Foto: Gabriel González.

Foto: Gabriel González.

Foto: Yolanda López.

Més info: Yani Pecanins

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Cartes d'amor entre Frida Kahlo i un pintor català

 

Es subhastarà properament a Nova York les cartes d'amor que la pintora mexicana Frida Kahlo es va intercanviar durant anys amb el també pintor català Josep Bartolí, una relació fins ara poc explorada, i a la qual El País d'aquest cap de setmana li ha dedicat un article . Podeu llegir-ho aquí.

Josep Bartolí va ser un pintor, escenògraf i dibuixant barceloní va néixer el 1910 en el si d'una família vinculada a la música i l'art. De caràcter "juerguista" i vividor, molt jove va començar a treballar com a dibuixant a la premsa i es va implicar en el sindicalisme de la electritzant Barcelona de l'època. Al febrer de 1939, gairebé al final de la Guerra Civil Espanyola (1936-1939), va travessar la frontera amb França. Al llarg de dos anys, passaria per set camps de concentració, l'últim d'ells el de Bram, d'on es va evadir. Detingut per la Gestapo, va ser enviat al camp de Dachau, però en el camí va fugir saltant del tren i, després d'un llarg periple, va arribar a Mèxic.

Allà reprèn la seva activitat pictòrica, va entrar en contacte amb l'entorn de Diego Rivera i Frida Kahlo, de la qual va ser amant, i va participar en la fundació de la galeria Prisse. Als Estats Units va ser primer dibuixant de la revista Hollyday, destacant com un dels dibuixants més cotitzats de l'època, va fer decorats per a pel·lícules històriques a Hollywood i va formar part del grup 10th Street, juntament amb Willem de Kooning, Kline, Pollock i Rothko. El 1973 va rebre el premi Mark Rothko d'Arts Plàstiques. Entre els seus llibres il·lustrats es troben Caliban (1971), The black man in America (1975) i Camps de concentració (Mèxic, 1943; Madrid, Espanya, 2006). Aquest últim títol, sobre textos del periodista català Molins i Fàbrega, recull la seva extensa sèrie documental de dibuixos a plomí sobre la seva experiència en els camps de concentració. 

Més informació:

Josep Bartolí i Guiu (Wikipedia)

L'EXILI ESPANYOL A FRANÇA A TRAVÉS DELS TRAÇOS DE JOSEP BARTOLÍ: ELS CAMPS

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La Galeria Pecanins preserva el seu “esperit” per la innovació

• Obren col·lectiva per celebrar 45 anys d'aquest espai fundat per tres germanes
• Inclou obres dels pintors amb més trajectòria en el recinte, com Montserrat Aleix i Helen Escobedo
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Foto • Les germanes Pecanins, imatge presa del llibre escrit en 2000 per Luís Carlos Emerich, per a festejar 35 anys del recinte de Durango 186, Colònia Roma

Merry MacMasters/La Jornada 2009.12.05

La Galeria Pecanins celebra nou lustres, complerts el passat octubre, amb l'exposició col•lectiva 45 anys: picant pedra que avui s'inaugura a les 12:30 hores en el seu domicili del carrer Durango 186, colònia Roma.

Aquesta mostra “única” reuneix obra en gran part de la col•lecció de la galeria formada per les seves fundadores, les germanes Pecanins: Montserrat, Ana María i Teresa (morta el passat 14 d'agost).

La idea de l'exhibició a cura de l'artista visual Yani Pecanins, sots-directora d'aquest espai cultural, i la seva tia Ana María, és “posar als pintors que han tingut més trajectòria dintre de la galeria”.

Encara que hi ha pintura, gràfica, dibuixos, collages, una mica de fotografia i una escultura dels anys 70, 80 i 90 del segle passat, “no vam buscar molt en el sentit d'èpoques, sinó de coses significatives per a la galeria, que a més fessin una exposició harmònica”, expressa Yani.

Participen artistes com Jordi Boldó, Kazuya Sakai, Josep Guinovart, Raúl Herrera, Montserrat Aleix, José Luis Cuevas, Josep Bartolí, Brian Nissan, Pedro Friedeberg, Yani Pecanins, Helen Escobedo, Roger Von Gunten, Philip Bragar, Héctor de Anda, Gabriel Macotela y Gabriel Ramírez.

Propostes i aventures boges

–Quin és el seu record més primerenc d'aquesta iniciativa de la seva mare i les seves ties?

–Me’n recordo –respon Yani Pecanins– de la primera galeria del carrer de Florència, però el que em porta més records és quan van inaugurar el local del carrer d'Hamburg; es van fer uns vestits de flassada que els artistes van pintar. Havia molta eufòria per l'aventura que emprenien.
–Quina ha estat la línia de la galeria?

–El que va moure a les Pecas a fer el que van fer a la galeria va ser la seva passió, el seu entusiasme, la seva amistat amb els pintors i el fet de ser part d'alguna cosa que s'estava movent que, m'imagino, tenia a veure amb la Ruptura.

“La Zona Rosa, quan la galeria va estar allí, també era un lloc on passaven coses, un barri on havia galeries, llibreries, tot un esperit. No només eren galeristes com per obrir, penjar quadres i guanyar diners, sinó de ser part dels projectes.

“Avui dia existeixen els comissaris i altres, però en aquesta època no. Llavors, elles feien el que les entusiasmava. Era alguna cosa molt participativa, passional. Moltes de les juntes del Salón Independiente van anar en la galeria quan va estar en el carrer d'Hamburg.

“Les Pecas inventaven, per exemple, els happenings –el performance d'avui–, que gairebé no n’hi havia. Van fer el pastís art, que es treia al carrer, on les persones participaven. Coses molt divertides; llavors, sí crec que aquest esperit és molt important aquí a la galeria. No només exposar perquè venia o perquè era un pintor famós, sinó perquè els encantava el que feia.”

–Què les distingia dels seus contemporanis?

–Pel que sembla aquest esperit de fer coses com boges i aventurar-se a muntar exposicions poc comunes. Potser una mica l'esperit del Salón Independiente on es feien coses noves i molt boges per a l'època. Elles eren molt participatives d'això i ho aplicaven a la galeria en el que exposaven, encara que no es vengués. La qüestió era fer coses diferents, propostes noves.

Un confessionari

L'amistat del crític d'art Luís Carlos Emerich es va refermar amb les germanes Pecanins quan aquell va començar a ser comissari, “a tenir encàrrecs rellevants. Llavors els vaig demanar que em museografiaren curaduries. Hem treballat moltes vegades junts en projectes fora de la galeria. L'únic en el qual he participat va ser en alguna cosa anomenada cinema cabaret, on el Govern del DF va convidar a les galeries a fer una exposició al•lusiva a la vida de la ciutat de Mèxic”.

Emerich és autor del libre Pecanins, publicat amb motiu dels 35 anys de la galeria.

–Com figura la galeria en el panorama d'aquests espais?

–La Galeria Pecanins ha estat determinant en la difusió de l'art mexicà, el català i el llatinoamericà. És un dels puntals de la ruptura dels anys 60. Allí es va formar el Salón Independiente. A pesar que molts dels artistes estaven amb Juan Martín, també exposaven amb les Pecas, que van oferir com sempre el seu espai com a lloc de conspiració en aquell moment que era una xafarderia d'una sola peça la condició de l'art mexicà. No eren tan ortodoxes com la Juan Martín, ja que es van obrir a moltes altres manifestacions. En els anys 60 són veritablement precursores del conceptualisme, que tot just s'albirava en aquest país.

Per a Emerich les Pecanins van buscar sempre “la seva realització personal. No es van fer riques i segueixen sense ser riques. No els va importar tant el negoci. Com els vaig dir un dia: ‘la seva galeria més aviat és un confessionari’. Aquí vénen els artistes a narrar les seves penes i divertir-se. Això és el que ha tingut i conserva la família sencera. Aquesta familiaritat de la galeria és el que imprimeix un caràcter humà, molt més que una botiga d'articles sumptuaris. És gairebé un temple de reunió per a moltíssimes persones”. 

Traducció de l'article: L'ombra i l'atzavara

· Per més informació: "Les Pecas". Pecanins, catalanes a Mèxic. Clicar AQUÍ

· Los protagonistas artísticos de 2009

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Pecanins. Catalanes a Mèxic

“Les Pecas”

Fa més o menys uns deu anys, vam tenir l'ocasió a Ciutat de Mèxic DF, de conèixer a les germanes bessones Pecanins (Teresa i Anna Maria), axí com a la Yani, filla de la Teresa, no us penseu, ens va faltar conèixer bona part de la saga Pecanins. Parlar de Pecanins a Mèxic és parlar d'arts plàstiques, teatre, cinema, música... Cultura.

Mentre ens trobàvem el passat 15 agost a Mèxic, tot passejant pel Barrio Mexicanos de San Cristóbal de las Casas (bé d'això ja en parlarem un altre dia), passem a comprar el diari La Jornada, entre d'altres noticies preocupants, ens n'assabentem de la mort de la Tere, que el dia anterior havia mort d'una parada respiratòria a l'Hospital Espanyol de la Ciutat de Mèxic. Un dia trist.

Qui son els Pecanins? o millor dit, les Pecanins?

La família Pecanins va arribar a Mèxic l'any 1950, ja que al pare, Jesús Pecanins, l'hi van oferir feina. L'any 1972 van obrir una galeria d'art al barri Gòtic de Barcelona, i el 1992 van fer l'exposició A Mèxic, homenatge de Catalunya a Mèxic al Palau Robert.

Montserrat Aleix

Montserrat Aleix (1908-2004), qui va començar a pintar als 66 anys, ho va fer amb la il·lusió de reflectir els dos països on va viure, expressava la seva filla Ana María Pecanins, la galeria de la qual, regentava amb la seva bessona Teresa. Van muntar una exposició amb motiu dels 100 anys del naixement de la seva progenitora, celebrats el 1er d'abril de 2008.

“Les Pecas”:

Montserrat, Anna Maria i Maria Teresa

Tere Pecanins, (Barcelona, 1930-Mèxic, 2009), galerista i directora artística. Les tres germanes Montserrat, les bessones Anna Maria i Maria Teresa van inaugurar la Galeria Pecanins a la ciutat de Mèxic l'any 1964 i des de llavors han estat un referent cultural a la ciutat i en la relació artística entre Catalunya i Mèxic. La seva galeria va ser la primera que va exposar en el país llatinoamericà l'obra d'artistes catalans com Miró, Tàpies, Guinovart, Frederic Amat, Ràfols Casamada, Daniel Argimón, Hernández Pijoan, Jordi Boldó, Albert Gironella... i tants d'altres, no s'ha d'oblidar les intervencions que hi feu el músic-compositor Carles Santos. El passat mes d'octubre, es celebrà el 45é aniversari de la fundació de la Galeria Pecanins


Una de les últimes aparicions públiques de les germanes Pecanins va ser en la inauguració al Centre Cultural Espanyol de Mèxic de l'exposició Pintors catalans a Mèxic, una mostra que es va poder veure a la ciutat de León, Guanajuato, paral·lelament al Festival Internacional Cervantí de l'any passat, en què Catalunya era el país convidat.

Paral·lelament a la seva activitat com galerista, la Tere també es va dedicar a la direcció artística de cinema i en ambientacions de telenovel·la com “Mirada de mujer” (1998). Es va iniciar en el setè art "per amistat amb els cineastes que en els anys 60 van començar a proposar un cinema mexicà independent de la indústria"

Va guanyar diversos Ariel de l'Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, equivalent als Goya, per la direcció artística i escenografia. Veure llista d'Ariel

L'any 2005, Mèxic fou el país convidat a la Fira ARCO, fira d'art contemporani a Madrid, la Galeria Pecanins, evidenment hi fou present.

Per altra banda, Montserrat Pecanins (Barcelona 1929) és casà amb el pintor, escultor Brian Nissen.

Brian Nissen's 'Atlas of Atlantida'

Betsy Pecanins (Elizabeth Ann Taylor Pecanins) va néixer a Yuma, Arizona, EEUU de pare nord-americà i mare catalana l'Anna M. Pecanins. Mèxic, on viu des de 1977, és la seva tercera pàtria: aquí ha residit en diferents etapes de la seva vida i és el seu país d'elecció. Cantant i compositora, Betsy ha destacat per la força i la qualitat de la seva veu en tots els escenaris d'importància de Mèxic i en diferents fòrums d'arreu del món. La seva discografia consta de 14 discs i 11 col·laboracions amb diferents músics.

Destaca el seu treball de fusió de la cançó ranxera mexicana i el bolero amb el blues i el jazz, unint el temperament d'aquests gèneres, que comparteixen el dolor, l'humor i la sensualitat.

Va interpretar la veu cantada de Lucha Reyes per a la pel·lícula “La Reina de la Noche” de Arturo Ripstein i participà cen cançons a las pel·lícules “Hasta Morir”, “Dos Crímenes”, “Cilantro y Perejil” i “Asesino en Serio”.

Per resumir i en opinió de l'Ombra, la Betsy en aquests moments és una de les millor veus que disposa Mèxic, destacant en el gènere del blues, jazz i ranxeres. Escolteu-la, val molt la pena. Ah! Se m'oblidava el seu segon disc “VENT AMB VEUS”, dificilísim de trobar fou gravat a Mèxic i en català!

Aquí la seva web oficial
Aquí la seva discografia

Beba Pecanins (Ana María Gimeno Pecanins). Beba, nasqué el 24 de febrer de 1962, pintora i escenògrafa de teatre i cinema, malauradament ens dexià desprès d'un aparatós accident de transit a l'Estat de Mèxic el passat 20 de febrer d'aquest any 2009. En l'accident, que va ocórrer a la nit, prop de la localitat de Godínez Tehuastepec, en el municipi de Valle de Bravo, va morir també la seva amiga, la doctora Miryam Silva. Beba, fou una dona i artista compromesa, cosa no gens fàcil a Mèxic.

Obra exposada a Barcelona i treta de http://www.blogger.com/www.tallersoberts.org

Durant uns anys fou museògrafa del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya.

Beba, era cosina de Betsy i Yani Pecanins, i neboda de las bessones Anna Maria y Teresa, que fundaren la Galeria Pecanins, una de las institucions culturals més sòlides de Mèxic.

Marisa Pecanins, germana de Beba, directora artística de cinema, també ha treballat entre d'altres amb Arturo Ripstein. Treballà molt unida amb la seva germana Beba en projectes fotogràfics i cinematogràfics.

Yany Pecanins
Yany Pecanins (Mèxic 1957), es autora de collages, capses i instal·lacions. Amb una obra intimista, sensual, de vegades fràgil i seductora, ha esdevingut l'hereva del llegat de les "Pecas"

Un viaje en Zeppelín. 1988
Ediciones La Cocina mimeográficas
Impresión en mimeógrafo, fotocopia, collage, sellos de goma y cartón
26.2 x 19.8 x 3.5 cm

Tan aviat ens encapsa records i vivències com en crea un món oníric amb elements tant quotidians com poden ser sabates de taló, raspalls de dents, pintes o miralls. No en té prou amb l'art plàstic sinó que ens porta cap la lletra, construint paraules i frases que en alguns casos han esdevingut llibres d'artista i quan no, ens ho embotella per tal de no caure en l'oblid.

Una serie de cosas, Yani Pecanins

Uns quan enllaços per que pugueu jutjar (o millor dit, gaudir) per vosaltres mateix@s. El futur de la saga de les Pecanins està assegurat.

· Yani Pecanins convierte el acto de leer en juego fascinante
· Yani Pecanins propone una estética íntima con un dejo de seducción
· Yani Pecanins enfrasca historias simples para no dejarlas al olvido
· La lectura y las cosas

Més informació de La Galeria Pecanins:

· Las Pecanins, un referente del arte catalán y mexicano
· Exhibirán en el FIC acervo del arte catalán de galería Pecanins
· Sigue festejo de la Galería Pecanins, ahora con artistas de los años 80

Galería Pecanins
Durango 186
Col. Roma Norte
Mèxic DF
Tel. 5514-0621 Fax. 5207-5661
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Remedios Varo: a medio siglo

Remedios Varo (1908-1963). Hace 50 años, un 8 de octubre, falleció la pintora
Foto Archivo. La Jornada

Teresa del Conde

La Jornada 08/10/2013

Un martes como hoy, hace 50 años, murió Remedios Varo. El trabajo biográfico más completo que se le ha dedicado a la pintora nacida en (Anglès, la Selva) Girona, en 1908, corresponde a Janet Kaplan y necesitaría una redición por parte de la misma autora. 

Egresada de Columbia University y con apoyos de varias instituciones, Kaplan realizó una investigación que le tomó ocho años. Su libro publicado por Abbeville Press, se titula Unexpected Jourrneys. The Art and Life of Remedios Varo.

Entrevistó a un sinnúmero de personas, vio prácticamente toda la obra localizada hasta 1988, leyó lo más que pudo y, sobre todo, Janet Kaplan tuvo acceso de primera mano al archivo de Walter Gruen.

La única falla relevante que le encuentro a su libro es que la reproducción de las fotografías que le fueron tomadas a Remedios, es decir, las reproducidas en el volumen, por desgracia, adolecen de pies de foto que arrojen datos siquiera mínimos, además de que hay una equivocada en cuanto a su montaje.

No es verdad que Kaplan avale la hipótesis de un posible suicidio de Remedios Varo, cosa que llegó a pensarse, debido a lo imprevisto de la noticia y a lo bien conservada y jovial que lucía la pintora.

Con todo y su nariz algo larga y con caballete (o incluso por eso), Remedios era muy bien parecida. Haciendo gala de inteligente y acentuado sentido del humor ese rasgo le inspiró la confección del cuadro titulado Visita al cirujano plástico, en el que aparece una figura a la puerta de una construcción gotizante con la nariz cubierta por un ligero velo que no la oculta, sino que le sirve de tendedero. En el escaparate hay un anuncio: una mujer ostenta tres hileras de senos de arriba abajo, perfectamente modelados.

En los años 50, se hizo retratar ante Gerard, un peluquero ficticio "que puede embellecerla" personalizado por su ex marido Gerardo Lizárraga, quien –como se sabe, al igual que Esteban Francés, se trasladó a México y no sólo eso–, Lizárraga vivió en la discreta ex vivienda de Remedios hasta que falleció, mucho después de la muerte de ella, quien supo conservar como amigos a quienes fueron sus cónyuges o amantes.

Al parecer la única excepción al respecto (hasta donde he podido enterarme) fue Benjamin Péret, su pareja desde Cataluña, con quien después de la etapa parisina y luego en Marsella, llegó a México con ella a fines de 1941. Compartieron vida hasta el regreso del poeta a Francia en 1947, si bien ya por entonces Remedios Varo estaba vinculada amorosamente con el piloto Jean Nicolle, quien en contraste con Péret, fue feliz en el exilio mexicano y era charming, como observó Kati Horna, a quien se deben las que quizá sean las más atractivas y sugerentes imágenes fotográficas que tenemos de la artista.

Hermosa, pero no en el sentido en que lo fue su íntima amiga Leonora Carrington, Remedios Varo tenía una figura perfecta, cintura muy estrecha, "de avispa" se decía, esbelta sin ser flaca, medía 1.56 metros según su pasaporte y era dueña de una espléndida cabellera castaña de matiz rojizo.

En una ocasión se platinó el pelo a la Mae West (existe fotografía), pero se dio cuenta de que eso no le iba bien, tal vez la hacía lucir demasiado pálida, sin contraste. Como quiera que sea, fue consciente de su apostura, conocía los elementos que enaltecían su físico, sabía coser, se vestía de maravilla y las fotos en las que aparece emergiendo de un doble petate o respaldada en uno, dan cuenta casi de un montaje que quizá ella misma urdió.

Con todo y lo que anoto, Remedios luciendo y luciéndose, temerosa de envejecer, su salud era endeble a pesar de que su médico la encontró bien durante la postrer visita que ella le hizo poco antes de esa infausta tarde.

Según historiales clínicos padecía afecciones gástricas y experimentaba fatiga. Cosa hasta cierto punto normal, pues según Janet Kaplan bebía café casi todo el día y llegaba a consumir más de dos o hasta tres paquetes de cigarrillos, de modo que un infarto pudo haber irrumpido esa tarde en que Roger Cossio y su esposa Carmina Díaz acudieron a la colonia Roma a comer con Walter Gruen y Remedios Varo, puesto que habían adquirido esa pintura tan inteligente y perceptiva titulada Los amantes, e iban a retirarla.

Se trata de los dos espejos idénticos, reflejándose entre sí. Después de una comida temprana a la europea, en la que se brindó moderadamente con cognac, el grupo se disolvió y al poco rato la asistenta doméstica, muy angustiada, cruzó la calle, ingresó a Margolín y le espetó a Walter que la señora estaba muy mal.

Walter se dio cuenta del infarto (tenía estudios médicos) y mientras buscaba ambulancia, medicamentos y ayuda probablemente sobrevino un segundo infarto masivo y ya no hubo nada que hacer.

Remedios Varo, quien siempre tuvo aversión a envejecer, fue sepultada en el Panteón Jardín de esta ciudad. Su primer exposición-homenaje póstumo, tuvo lugar al año siguiente.

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Información relacionada:

Mujeres para un siglo - Remedios Varó: la pintura

Fuente: RTVE2.
Remedios Varó, pintora catalana que se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y considerada la primera pintora surrealista de España. A lo largo del documental se intercalan las intervenciones de: Marina Núñez (artista plástica), Emili Rams (cronista del pueblo gerundense de Anglés), Juan Manuel Bonet y Beatriz Varó (sobrina de Remedios Varó) que hablan de su vida y de su obra.

Viajes inesperados: el arte y la vida de Remedios Varo  Per Janet A. Kaplan
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Imprescindibles - Remedios Varo

Un documental sobre la artista catalano-mexicana Remedios Varo, una pintora surrealista, escritora y artista gráfica. Comenzó su trayectoria profesional en España, donde apenas se la conoce; fue una de las primeras mujeres en estudiar Bellas Artes en nuestro país, pero por varias circunstancias emigró a México, de donde nunca volvió y donde alcanzó el éxito.

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La pasión cubista de Diego Rivera

Dos exposiciones, en el Munal y en el museo Dolores Olmedo, exhiben pinturas clave de ese periodo poco conocido del artista.
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Una de las pinturas claves del periodo cubista de Diego Rivera es "Paisaje zapatista",
una obra en la que incluye elementos mexicanos y pone más color,
a diferencia de lo que se acostumbraba en el cubismo.
En la obra se distinguen un zarape, un fusil, un sombrero, unos guajes y las montañas.

ssierra@eluniversal.com.mx

Hace 100 años la etapa cubista de Diego Rivera estaba en todo su esplendor. Entre 1913 y 1918, en París, él produjo un número amplio de pinturas; varios de esos cuadros siguen siendo obras centrales en la pintura de Diego, grandes ejemplos dentro de las vanguardias y tema de polémica por su lenguaje, por los elementos que él incluyó, por las anécdotas que lo rodearon, algunas de las cuales incluyeron a Pablo Picasso y al que pronto se llamó “L’Affaire Rivera”.

A lo largo del siglo, exposiciones, publicaciones, eventos, han servido para revisar y, hasta cierto punto, redefinir lo que aquella etapa significó para él. Por ejemplo, el cubismo que Rivera hizo no adquiere la misma dimensión en su autobiografía Mi arte, mi vida, que en las páginas de “Diego Rivera, los años cubistas”, ensayo de Ramón Favela para la exposición que presentaron el Phoenix Art Musem y el Museo Nacional de Arte (Munal), en 1984.

Ahora el Munal, en el contexto de la exposición Vanguardia en México (1915-1940) exhibe una de las pinturas claves de ese periodo cubista: Paisaje zapatista (llamada en un primer momento El guerrillero). Atrás de esa pintura se encuentra La mujer del pozo, un cuadro cubo-futurista, que en 1913 pintó, que después cubrió con una capa de pintura morada y que fue “rescatado” en 1972 por restauradores mexicanos. “Diego tapa La mujer del pozo porque no tenía dinero para comprar una tela para hacer El Guerrillero”, cuenta la crítica de arte Raquel Tibol.

Como en Paisaje zapatista (1915), en varias pinturas de esa época Rivera incluye elementos mexicanos, pone más color, a diferencia de lo que se acostumbraba en el cubismo: “Es un cuadro de un cubismo ambiguo, no ortodoxo”, describe Tibol.

El cubismo de Rivera también se puede apreciar en la exposición Impulsos Modernos. Pintura en México 1840-1950, que hoy se inaugura en el Museo Dolores Olmedo, con el cuadro El marinero en el desayuno.

En medio de las vanguardias

“Por mucho tiempo se minimizó la participación de Diego Rivera en el cubismo, él mismo trató de ocultar esa parte de su historia que es fascinante; fue un pintor cubista importante”, dice Anthony Stanton, profesor de El Colegio de México, quien con Renato González Mello, director del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM, curó la muestra del Munal.

Tibol detalla: “La producción cubista de Diego inicia en 1913, cuando aparecen los primeros cuadros cubofuturistas y después los cubistas propiamente, y se extiende hasta principios de 1918 cuando él decide dejar el cubismo y entra a una etapa cezanniana, muy influido por Paul Cézanne. La producción cubista de Diego en ese periodo, es muy grande, variada y de excelente calidad”.

Como parte de la revaloración a lo largo del siglo, muchas ideas se han cuestionado: “Había un mito de que el Diego Rivera cubista era el vanguardista, el independiente, el complicado, el inteligente, y que luego se había convertido en una especie de pintor oficial. Sí se convirtió en un pintor con vínculos con el Estado, pero no en un pintor fácil, nunca, jamás ocurrió eso”, afirma González Mello.

De Picasso a Reverdy

Rivera en su libro Mi arte, mi vida que realiza con la periodista Gladys March, relata cómo Pablo Picasso lo mandó llamar con el pintor chileno Julio Ortiz Zárate: “Me mandó decirte que si tú no lo vas a ver él vendrá a verte”. El encuentro fue en la primavera de 1914.

Picasso conoció la pintura Paisaje zapatista y es en torno de ésta que se han construido versiones diferentes sobre
el distanciamiento entre los dos amigos. Stanton, por una parte, relata: “Picasso, que tenía un ojo devorador, digamos así, y se apropiaba todo lo que hacían los demás, vio que Rivera había hecho un descubrimiento interesante: un problema técnico de la pintura de esos años era cómo pintar el follaje de los árboles. No es exagerada la queja de Rivera, en el sentido de que Picasso le copió eso. Eso motivó un distanciamiento”.

Sin embargo, Tibol dice: “Picasso tenía la costumbre de visitar los talleres de los amigos, cuando encontraba una composición que le interesaba hacía una versión propia, UNA VERSIÓN, no una copia. Diego nota esto y no se enoja sino que declara que se siente halagado de que Picasso haya tomado elementos de un cuadro suyo. Entonces los amigos de Picasso, los picassistas se echan contra Diego”.

En su autobiografía, Diego habla de Picasso así: “…No creo que ningún pintor posterior a Picasso no haya sido influido por éste de algún modo. Siempre me he sentido orgullo no sólo de que Picasso haya sido mi profesor, sino de que sea mi amigo muy querido y sincero”.

Pero ese no fue el que pasó a llamarse “El Affaire Rivera”, éste tuvo lugar entre el pintor mexicano y el poeta y teórico del cubismo Pierre Reverdy, y fue un enfrentamiento a golpes.

Renato González Mello explica: “Reverdy tiene una teoría espartana del cubismo que dice que se tiene que omitir el color porque el color no es serio, no es racional, y reivindica la pintura de Juan Gris; Diego deliberadamente sale de eso, y hay una confrontación”.

El trofeo de Diego

Se ha contado ya que los relatos de Martín Luis Guzmán a Rivera, sobre lo que pasaba entonces en México, fueron determinantes para obras cubistas donde él tomó la iconografía revolucionaria. Favela habla de tres cuadros que tienen motivos mexicanos: Terrasse du café, El retrato de Martín Luis Guzmán y Paisaje zapatista. En éste último se distinguen un zarape, un fusil, un sombrero, unos guajes y las montañas.

González Mello dice en referencia a esa pintura: “sí hay una reivindicación que no me atrevería a bautizar con palabras que son posteriores -resistencia postcolonial o anticolonial-, lo que sí hay es algo distinto a un cierto eurocentrismo que tienen las vanguardias. Pero esa reivindicación está en el terreno del lenguaje. Es un verdadero reciclaje de símbolos, algunos muy fuertes. Es una reutilización del valor simbólico de las cosas, y un diálogo muy fuerte, demandante, con los pintores cubistas en París, sobre la noción de representación y sobre la posibilidad que existiera algo como un cubismo con características locales. Es un larguísimo debate en las vanguardias parisinas que no acaba de resolverse nunca”.

En el caso de Diego Rivera, el cubismo no fue sólo una etapa de exploración sino que definió mucho de lo que vendría después, remarca Tibol: “Si uno revisa con cuidado las formas que desarrolla en los murales de la Secretaría de Educación Pública y de Chapingo, indudablemente otro hubiera sido el estilo si no hubiera pasado por las vanguardias, por las etapas futurista, cubofuturista, cubista y cezanniana. Eso influyó en el estilo definitivo de Rivera, un estilo de un realismo avanzado, con constantes elementos simbólicos y de una enorme calidad pictórica”.

El cubismo fue más que exploración, más que París. Ramón Favela escribe: “Se convirtió en un estado mental marcadamente individualizado y personalizado, que lo llevó (a Diego) al monumental descubrimiento de sí mismo del que ya nunca se desvió. A pesar de cuanto después se contó o inventó sobre su fallido cubismo y sobre sus quejas acerca del tiempo perdido, fue en el cubismo –como agudamente observó Martín Luis Guzmán en 1915- donde Rivera descubrió el camino de regreso a Anáhuac, su tierra natal”.

http://www.eluniversal.com.mx/notas/926823.html

"La mujer del pozo", un cuadro cubo-futurista, que pintó en 1913,
para después cubrirlo con una capa de pintura morada.
Fue "rescatado" en 1972 por restauradores mexicanos.

El cubismo de Rivera también se puede apreciar en la muestra "Impulsos Modernos.
Pintura en México 1840-1950", que se expone en el Museo Dolores Olmedo,
con el cuadro "El marinero en el desayuno". Cortesía Museo Dolores Olmedo

La producción cubista de Rivera inicia en 1913, cuando aparecen los primeros
cuadros cubofuturistas y después los cubistas propiamente,
y se extiende hasta principios de 1918 cuando él decide dejar el cubismo.
(En la imagen, "Maternidad").

En el caso de Diego, el cubismo no fue sólo una etapa de exploración sino
que definió mucho de lo que vendría después: "el estilo definitivo de Rivera,
uno de un realismo avanzado, con constantes elementos simbólicos",
según indica la crítica de arte Raquel Tibol. (En la imagen, "Naturaleza Muerta").

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